Reviews by Rath

Cine comercial español pero con aire de independiente o bien, anecdotario social sin grandes alardes. Tono humorístico distendido inmerso en una narrativa de problemática social individual.

Un joven fotógrafo español en busca de trabajo en Nueva York. El frustrante encuentro con la gran urbe (tan abierta y, al mismo tiempo, cerrada para el recién llegado) y todas las dificultades que plantea: desconocimiento del idioma, falta de adaptación, escasez de contactos laborales, etc., queda minimizado frente a su malograda historia de amor con una española residente en la ciudad norteamericana. Incluso esta relación humana -punteada a lo largo de la película- reviste un tono de comedia ligera y elude una fácil caída en el melodrama al que la narración parecía abocada.

En definitiva, una película sin pretensiones, que se deja ver, sin más. Más flojita que aceptable.

(8/5/1987)

-Crítica Nº 20-

Aceptable película a medio camino entre la comedia y el drama; entre la sátira social y el filme de denuncia, cuenta en sus principales papeles con dos grandes actores como Vittorio Gassman y Ugo Tognazzi. Precisamente, el mayor punto negro de la historia es el de no definirse, no decantarse por dos estilos tan dispares en un asunto tan prosaico como es el de la aplicación de la ley. Mientras el tono de la película es irónico cuando no cómico, las escenas discurren bajo la tónica de las tensiones -tanto internas como externas- entre un juez y un industrial, presunto criminal pero declarado extorsionista y especulador financiero.

De esta manera, la película intenta un delicado y poco conseguido equilibrio entre sus niveles de lectura, tarea poco menos que suicida. "En nombre del pueblo italiano" funciona mejor cuando toma partido de manera abierta por la comedia, originando situaciones de buena y divertida factura. Por su parte, el supuesto mensaje social hubiera necesitado de otro tipo de soporte más allá del humor negro.

(7/5/1987)

-Crítica Nº 19-

"Jennie" es una de las contadas muestras que ofrece el cine de perseguir una visión del mundo más próxima a la poesía y a la fantasía que a sus aspectos materiales. Sólo esto ya es muy de agradecer, pero si además la película aúna buena dosis de calidad y poca cursilería, habrá que quitarse el sombrero y enseñar la calva.

La simple historia de una mujer que regresa de las tinieblas para encontrarse con el hombre que nunca conoció en vida pero que le hubiera parecido reservado como perfecta pareja es, de por sí, un delirante modelo de romanticismo fantástico. Las secuencias de los repetidos encuentros en el parque están muy bien tratadas, con la atmósfera onírica adecuada, aún existiendo escasa progresión entre ellas. Es de lamentar un pésimo doblaje, aparentemente actualizado, en su versión española; así como la gratuidad de escenas como la del convento, fundiendo poesía y misticismo, que vienen a lastrar su exquisita idea original.

Mención aparte la excelente labor de sus intérpretes y la acertada pieza sonora central de Debussy.

(5/5/1987)

-Crítica Nº 18-

"El fascismo corriente"; "Fascismo cotidiano" o "El fascismo ordinario" son los títulos consecutivos que ha venido recibiendo en España.
Se trata de un documental soviético en las postrimerías de la carrera de su prestigioso director, Mikhail Romm, y representa una de las cumbres cinematográficas tanto de su género como de testimonio social.

Lo primero, debido principalmente a lo ajustado de su complicada labor de montaje, máxime en películas de estas características. Otro aspecto destacable es el empleo del intercalado de comentarios del más irónico humor negro en determinadas secuencias, lo que aporta -unido a las fantasmagóricas imágenes de las atrocidades nazis- un poder revulsivo mucho mayor que el que hubiera ofrecido la simple descripción de las mismas como muestran tantos documentales al uso.

También es de valorar el importante, profundo estudio sociológico, que desarrolla su discurso a través de una forma, no sólo de entender el mundo sino también la vida que lo conforma: la filosofía nazi en su directa relación con el pueblo alemán que la sustentaba. El mismo pueblo arremolinado (denominado repetidamente "masa" en boca del propio Hitler) que enloquecía de júbilo con cada una de las palabras de aquél que se reservaba la individualidad pensante, su propio guía o Führer.

(1/5/1987)

-Crítica Nº 17-

Rodada en EE.UU. supone, quizás por ello, la primera incursión de Polanski en el género del Cine Negro.

Película atípica, hasta desconcertante, en la carrera del director polaco, pasaría perfectamente por catalogarse de auténtico Thriller americano, jalonado por algún que otro golpe del característico humor negro de su realizador.

Trabajada con intensidad -pero no carente de una inusual sobriedad de exposición en el cine de Polanski- la película es una muy digna muestra de policial moderno que también tiene en sus famosos protagonistas (incluída una breve pero excelente aparición del propio John Huston) una de sus principales bazas de interés.

(1/5/1987)

-Crítica Nº 16-

Se trata de una pequeña y bella muestra de cine romántico sueco. Narrada con el más puro naturalismo, la película se basa en un hecho real acaecido en Suecia a finales del siglo pasado.
Rodada casi íntegramente en escenarios naturales de impresionante belleza (la pareja se oculta en los bosques), la película sobrepasa los límites de una narración plana para ilustrar conceptos tan amplios como el amor, la fidelidad y el compromiso dentro de la más auténtica tradición nórdica.

SPOILER:
La que en principio es la historia del idílico amor entre una muy joven pareja que decide aislarse del mundo y sus convenciones sociales (él, oficial, deserta del Ejército y del hogar familiar; ella, famosa trapecista, abandona familia y trabajo), sólo por entregarse por completo a su apasionada relación amorosa, pasa a convertirse, casi sin transición, en un estudio sobre la fatalidad humana.

(1/5/1987)

-Crítica Nº 15-

Me he decidido a comentar algo de la película al observar que no tiene otra puntuación que la mía, con idea de orientar algo a posibles interesados.
La ví hace más de veinte años en la única exhibición, que sepa, que se ha hecho en mi ciudad del film. Se estrenó como "En pleno corazón". La puntuación es de aquella época, por lo que es seguro que me gustó bastante. Es la primera obra de Doris Dörrie, una realizadora alemana más conocida en España por una comedia algo posterior: "Hombres, hombres", que sí tuvo cierto eco.
Según recuerdo era una historia muy intimista y bien realizada. Una especie de estudio sobre la soledad de dos personas, con un guión muy original y una narración que, ciertamente, te dá en pleno corazón. Es de esas películas que estás deseando que repongan o pasen por TV para poder volver a verlas.

-Crítica Nº 14-

Sabido es que la dificultad de extractar una historia en pocas letras, o en pocas imágenes en este caso, es siempre mayor que al afrontar una narrativa más pormenorizada y de mayor desarrollo en espacio y tiempo. Pero que se persiga, como en el presente corto, buscar desde el principio y casi como impostura la fácil complicidad del espectador (los enmudecidos pasajeros del autobús) deviene excesiva licencia para que llegue siquiera a convencer.

La película comienza interesando pero su artificio se impone enseguida. Lo mejor y casi único destacable, la ajustada interpretación de Miguel Ángel Jenner, pero el exceso de buenos sentimientos y hasta moralina del discurso -pese al brusco giro del desenlace de la historia-, dan al traste con lo que acaba siendo un corto demasiado forzado e incluso capcioso.

Como cierre, un cartel publicitario en el autobús reza (al pelo): "Dios sí existe". Lo que el final del cortometraje deja claro es que los milagros, desde luego, no.

-Crítica Nº 13-

"Hana" es el único título que me ha decepcionado del prestigioso Koreeda, uno de los más notables de la última generación de realizadores japoneses. Y ello, precisamente, porque esperaba más de su visión una vez conocida buena parte de su obra y habiendo encontrado aspectos bastante sugerentes, destacables, en toda ella.

La película me deja una sensación de vacío, de quedarse a medio camino de cuanto propone -empezando por el género en el que se inscribe- pues no acaba de ser comedia pero tampoco es un drama; es una película sobre la extinción de los samuráis aunque sólo muestra una pelea común, con una sola espada (y de madera) de por medio... Hasta las habituales historias o relaciones románticas parecen desdibujadas, imprecisas. Su desarrollo narrativo queda como suspendido, "por venir", puesto que nunca se ve plenamente confirmado, pareciendo quedar más de un cabo por atar. Por otra parte, la amabilidad de su estilo y sus personajes también parece bastante impropia de aquella época histórica. El habitual ritmo pausado característico del cine nipón -y que en Koreeda adquiere caracteres casi de complaciente contemplación- tampoco parecía el más adecuado en semejante contexto. Demasiadas licencias para que pasen desapercibidas.

Eso sí, el envoltorio es más que adecuado para vender bien el producto. Excelente fotografía y decorados, así como buen estudio de personalidades con los actores secundarios, para mi gusto, mejores que los protagonistas. Dicho sea de paso, hasta la deliciosa Rie Miyazawa pierde buena parte de su encanto detrás de un inadecuado maquillaje blanco (no es geisha, vaya), que vela demasiado toda su bella, delicada carnalidad.

En fín, que obviando su quizá excesivo metraje, la película se deja ver sin mayores complicaciones. Su excelente director obtuvo con "Hana" su particular jidaigeki -espero que se haya sacado la espina para siempre- pero no tardaría en volver a recompensarnos con sus habituales, sensibles historias de refinado intimismo.

-Crítica Nº 12-

Si Georges Méliès fue un pionero, el iniciador del género fantástico con personajes reales en la historia del cine, Starewicz sería su más cercano homólogo en el apartado de cine de animación. En los albores del cine, ambos otorgaron al nuevo arte una dimensión mágica, cargada de alucinantes fantasías donde -mucho antes de que la industra norteamericana se apropiara del término- se paseaban con total naturalidad por su muy personal "fabrica de sueños".

Wladislaw Starewicz (1882-1965), realizador de esta deliciosa película, está considerado el primer maestro en el dominio del género llamado stop-motion, sinónimo de cine de animación con figuras tridimensionales accionadas fotograma a fotograma. Tanto en Rusia, su país natal, como en Francia -donde se radicó en 1920- realizaría la mayor parte de su obra, extendiendo desde allí su merecida fama de gran artista al resto del mundo. A excepción del excelente "El cuento del zorro" (Le roman de Renard, 1930), las 37 obras restantes de su producción son cortometrajes y abarcan de 1910 a 1958.

Apasionado de la entomología, sus primeros trabajos los realizó con auténticos insectos disecados -presumiblemente articulados con algún tipo de goma- y en ellos aunaba, por un lado, su inicial interés por el estudio de los insectos con las hasta entonces inexistentes técnicas de animación en base a ejemplares naturales articulados. Producto de esta fusión, se dedicó a recrear un mundo de imaginería sorprendente y fantástica, donde los insectos adoptan características humanas y también reproducen sus, muchas veces, tan absurdas como divertidas relaciones y costumbres.

A partir de 1915, Starewicz fue abandonando sus experimentaciones con insectos reales, dedicándose a la construcción de muñecos de gran expresividad. Fruto de esta nueva orientación técnica “La mascota” (Fétiche, 1934) figura como uno de los últimos trabajos del artista soviético (hoy en día sería lituano). Posiblemente también como su película más importante o, al menos, mejor estructurada, emocionante y compleja al mismo tiempo. El principal protagonista es un perrito simpático y entrañable, tierno y conmovedor -una maravilla de cuidada elaboración animal para su época- que se ve sometido a las peores pruebas (¡incluso ultraterrenas!) cuando se encuentra perdido en la calle en el intento de favorecer a su pequeña dueña.

El cortometraje (no llega a los 30 min.) es un singular compendio de diversas técnicas, con animación de muñecos y objetos de todo tipo, intercalando breves apariciones de seres humanos e incluso ambientes callejeros de acción real. Aquí no existe nada que pueda dejar indiferente: el más mínimo de los detalles –y la película no es más que un extenso cúmulo de ellos- puede adquirir, de golpe, un papel relevante: hasta unas hebras de paja arrastradas por un endiablado viento pueden cobrar vida y caminar como si tal cosa… En definitiva, “La mascota” es una maravilla de película, una indiscutible obra maestra absolutamente recomendable.

Starewicz, en su faceta técnica, fue el prototipo de paciente artesano, individualista y solitario. Tanto es así que nunca aceptó las repetidas y suculentas ofertas de los estudios norteamericanos: el material con el que fabricaba aquellos figurines tan realistas continuó por ello siendo un enigma. Añadir por último que en su trabajo tuvo como principales ayudantes a su mujer, France, y, sobre todo, a su hija Irina: el secreto del maestro quedaría celosamente guardado tras la puerta del domicilio familiar.

-Crítica Nº 10-