Reviews by Rath

As a second part, after twenty years of shooting the first perplexed witness the revelation of the absolute decline of the characters in "El desencanto", Leopoldo María see a even crazier, a Juan Luis increasingly elusive and Michi consumed by a slow but inexorable disease, daring to scratch a little deeper into the interior of the relatives of the Panero miseries.

If in "El desencanto" could see inside of people like the wife and mother, Felicidad Blanch-true driving force of the film in spite of the ghost of the poet Panero, and outline the personal ruin of four individuals, in "Después de tantos años" through a sick and aged Michi encontrarmos a bleak reality. Which opens the door to absolute end. For me these two films, more than a symbol of the decline of Franco, are a bold bid to explore the intricacies of family relationships, with the interesting, no doubt, the election of a bourgeois family of post-Franco Spanish intellectual rundown.

The engine absent both films, the poet Leopoldo Panero, is only present in the new and critical comments of their children to specific situations in their lives together.
But the adjustment of accounts that might exist in the first installment of the series for its proximity in time, it is now diluted in the hatred of the past and absolute skepticism by a present where a future without expectations, glimpsed only physical death.

Shows the technical and creative well crafted sequences prematurely in some unfortunate Ricardo Franco (notably the reunion during the ride for younger siblings against the ruins of what was magnificent family mansion Astorga) and the main objection that I can make the new family portrait is the perhaps excessive use of flashback images referring to the first film and the use of an inappropriate soundtrack.

"Después de tantos años", Panero family returns to the "disenchantment" (the past always comes back), but this time in the form of utter hopelessness.

Viewing the movie today and in their entirety (as in Spain wonderful thing was brutally mutilated the film at its premiere), "Vampyros lesbos" emerges as one of the most curious and worthy, not better, works of the author (apart from to be the most dear to him), because it denotes a more original film and determined sense and a commitment within the terror inspiring, where they are also palpable defects in construction of the script, budget constraints (that blood ...) or a court music cabaret that grates too as background accompaniment.

Apart from the mediocrity of most of the actors (except for the excellent Dennis Price), especially if they are faced with an admirable, as enveloping as helpless, Soledad Miranda, who made a magnificent composition full of character, determination and charming natural and soon after perish tragically in a traffic accident. Jesus Franco also reserves the role of sadistic depraved sex doll collector, fairly well achieved.

Thus, a lesbian version of Dracula's Stoker frankly suggestive and very respectable filmography that improves an author's particular expression purely Spanish but stranger here, it is practically the only place where movie has yet endorsement: I seems quite unfair as more meritorious than others and when it could / wanted to make movies with his style and freedom has achieved good yields and very personal.

Although narrative and plenty of ups and downs in the script license, title, is a more than acceptable to the French comedy-very French-like raids on a group of thieves from Paris to Martinique.

With some good times and good, but uneven performance of its actors, featuring Lino Ventura, as compelling as ever, the film looks to depending on the relative interest situations that are presented and the strokes of humor included. His biggest drag is the repetition of scenes, at times heavy and excessive elongation of some scenes. Although the latter has always been the biggest drag on the work of Lelouch: repetition of repetitions, as well demonstrated in his most famous film TITLE.

In short, light, funnily absurd comedy with colorful cast (Denner, Ventura, Juan Luis Buñuel and Jacques Brel to!) At times attractive, and some really fun shots worth seeing.

As with most american movies entered into the romance genre, especially in the last twenty years, "Leaving Las Vegas" pursued for the foreground the complicity of the audience, involving them in its plot, either through the peculiarities of characters, or through force situations to advance the story, have some type of development.
In this movie there are two peculiarities. In particular I found it impossible to believe in the interpretation of alcoholic dying Nicolas Cage (who, it is true, I could only stand in "Raising Arizona"). After his encounter with the prostitute, the similarities with "9 1 / 2 weeks" or "Pretty Woman" are becoming more evident, flooding of "clichés" the love story with a look ever closer to the video clip.
To finish decorating it, the protagonist dies in the moment you get your first orgasm with her long-suffering lover. Mayor fib is not possible. ¿"Leaving Las Vegas"? too much noise for so little and, worse, misleading results.

Rancia película estadounidense de ciencia ficción que defrauda, principalmente, por su torpe discurso y una terrorífica escenografía de cartón piedra, que hasta llega a tener su encanto.

Aparte de la carencia de medios de la época -disculpable en todos los sentidos-, lo que puede dejar boquiabierto y confundido al espectador, sobre todo tras las interesantes expectativas de su comienzo, es la falta de imaginación que manifiesta toda la película.

La mayor parte de las secuencias son resueltas de la forma más facilona y tópica. Esperando se queda uno la aparición de algún simpático extraterrestre que aligere un poco el absurdo mensaje apocalíptico -que se repite a lo largo de la película- sobre un supuesto "día del juicio final", pero éste no parece ir más lejos de la simple referencia religiosa.

Una auténtica lástima, tratándose de una producción del imaginativo creador que es George Pal.

(5/7/1987)

-Crítica Nº 45-

Salto en el vacío del casi siempre excelente Fernando F. Gómez. En esta oportunidad porque "Cinco tenedores" no es más que una comedieta en la onda de la más rancia tradición celtibérica y su demasiada larga serie de esperpentos fílmicos tardíos, los de la por entonces recién estrenada democracia española.

Uno de sus peores defectos es que combina el chiste fácil -casi siempre sin gracia- con algunas píldoras de insufrible dramatismo, por lo que la película desconcierta con tanto altibajo y no llega a tener credibilidad un solo instante.

Las relaciones entre los diversos personajes y alguna que otra ocurrencia simpática durante las escenas más distendidas es lo único salvable del film. De cualquier forma, muy lejos de la comedia berlanguiana, por poner un ejemplo próximo. Incluso secundarios tan irrepetibles como Agustín González quedan desdibujados hasta la caricatura en un guión embarullado y, encima con confuso y postizo mensaje final -para rizar el rizo-, en lugar de permitir la última y tragicómica pirueta de rigor. Resumiendo, efectismos huecos y simpleza.

(28/6/1987)

-Crítica Nº 44-

Tragicomedia del, a su pesar, "enfant terrible" del cine francés, Maurice Pialat, que deja después de su visionado un trasfondo de tristeza pero no un mal sabor de boca. Desunión familiar e incapacidad de amar desde el entendimiento serían la base de este auténtico discurso social que apuesta, a intervalos, por un carácter demasiado retórico y filosófico.

Las discusiones y rupturas en el seno de una familia de clase media son minuciosamente estudiadas pero, en ocasiones, con excesiva frialdad o bien de manera exagerada (peleas físicas) hasta rozar lo absurdo. Por otra parte, la película hace discurrir las correrías amorosas de su joven intérprete, una muchacha imposibilitada sentimentalmente en sus relaciones de pareja -como traslación de su frío entorno familiar- y que ve frustradas sus historias sentimentales más allá del sexo puro y duro.

"A nuestros amores" -precioso título prestado del simbolismo poético- es una película realizada con una soltura y libertad tal, que puede semejar un simple pero buen reportaje de costumbrismo social. Bueno y recomendable.

(25/6/1987)

-Crítica Nº 43-

Dean Martin aparte, con un brillante elenco actoral, la película puede interesar debido a un muy elaborado guión, pero flaquea desde el momento en que se le ve la colita den su puesta en escena de indisimulado origen teatral.
Gene Tierney, aquí ya madurita pero tan exquisita y preciosa como en sus mejores años, interpreta un breve pero muy lucido papel. La psicología de los personajes es muy sutil y detallada, aunque demasiado arquetípica dentro de unos muy determinados cánones humanos. Aceptable a fin de cuentas.

(21/6/1987)

-Crítica Nº 42-

La recreación ambiental de la Edad Media está muy bien conseguida. La trama, aunque bien llevada, insiste en demasía sobre el eje de la acción, la cual, de no revestir (como es el caso) indudables alicientes, caería con facilidad en lo anecdótico. Como el caso es que, aún bordeándolo, sobrepasa ese permanente peligro de lo obvio o repetitivo manteniendo suspense y con él interés, la película no llega a aburrir y se ve bien. Mención aparte merece la protagonista femenina, Nathalie Baye, en todo momento y papel deliciosa.

(17/6/1987)

-Crítica Nº 41-

Ambientada en tiempos de la revolución mexicana, "El fugitivo" es una película de escaso interés y que ha envejecido mal. Se sitúa entre el melodrama de raíz religiosa y una forma atípica de thriller. También es una extraña combinación en el cine de John Ford, donde la principal característica es la proximidad a las típicas historias épicas del Oeste americano.

Tratándose de una adaptación literaria, no deja de observarse una fuerte preocupación espiritual, bastante maniquea, en este su trasvase al celuloide.

La película se hace larga y aburrida, aunque posee momentos de indudable tensión e interés, pero resueltos de la forma más inverosímil con tal de salvaguardar la fe religiosa del pueblo mexicano. Fácil de olvidar todo ello.

(17/6/1987)

-Crítica Nº 40-