Reviews by Rath

Interesante mediometraje de la vida cotidiana de un grupo de jóvenes de un barrio del sur de Londres. Todos ellos tienen el centro de reunión en un club juvenil, el "Alford House", donde organizan sus actividades y diversiones: charlas, excursiones, buena música y baile, mucho baile.

La cámara presenta, con apariencia improvisada, a algunos de sus miembros, de ambos sexos, y a lo largo de la cinta los va descubriendo tanto en sus ocupaciones diarias como en sus actividades de ocio del fín de semana. Recién atravesada la adolescencencia, la mayoría de ellos trabaja y sólo una pequeña parte continua con sus estudios. Son chicos de clase trabajadora y, sobre todo, jóvenes "de barrio": algo de lo que se sienten muy orgullosos y proclaman, con fuerte acento cockney, incluso a modo de típico cántico inglés mientras se trasladan en camión a ver un partido de cricket. La película es por tanto casi un reportaje, un excelente documento de finales de los 50 y del comienzo de una época social mucho más dinámica.

Cinematográficamente se considera a "We Are the Lambeth Boys" como una avanzadilla del Free Cinema y también uno de sus documentales más emblemáticos, junto a otros del propio Reisz o de colegas luego tan famosos como Lindsay Anderson o Tony Richardson, entre otros. Realizadores que descubrieron al espectador inglés que existía otra juventud, otros ambientes y, en definitiva, otra sociedad menos conformista y autocomplaciente como la que la gran pantalla le había ido mostrando hasta ese momento.

-Crítica Nº 9-

Una muy interesante muestra del mejor cine mexicano reciente. Heredero del espíritu de su reconocido maestro Buñuel, Arturo Ripstein confecciona a puntazos de la más cruda realidad otro delicioso fresco costumbrista, en clave del también transmitido y típico humor negro hispano. Lo mismo cabría añadir de sus personajes -gran logro del guión-, con una tipología rayana en la miseria que transmite veracidad en la crudeza de sus relaciones, lejos de los hipócritas sentimentalismos a que últimamente nos viene acostumbrando una parte del reciente "cine de culto" europeo. Los diálogos entre los personajes (trasuntos de la literatura picaresca española) son, sencillamente, impagables por su divertida imaginación. La fotografía en blanco y negro contribuye a sumir al espectador en esa atmósfera sórdida y sin concesiones característica del mejor Ripstein. Para mentes abiertas y con pocos prejuicios.

-Crítica Nº 8-

Otra habilidosa comedia del realizador Richard Quine, habitual de este género. Con todo, no tiene el pulso narrativo ni el encanto de otros títulos suyos como: "Me enamoré de una bruja"; "La misteriosa dama de negro"; "La pícara soltera" o "Cómo matar a la propia esposa". El principal lastre puede ser su excesivo esquematismo -quizás debido a un irregular guión- donde las escenas y situaciones se repiten y agotan bien pronto cualquier posibilidad de sorpresa.
Pero como a las comedias clásicas -sobre todo a las norteamericanas- se les puede permitir casi todo por su mismo género de característica diversión y por las numerosas y exquisitas muestras que han ofrecido a la historia del cine, no desbanco a ésta de la calificación de, cuanto menos, agradable. Aún con sus altibajos y redundancias, es de agradecer su ligero tono de denuncia social, en este caso hacia los dirigentes de una agencia mercantil de Bolsa que engaña a sus accionistas (las mejores secuencias transcurren en la sala de reuniones) ante la absoluta complacencia de éstos. Discreta, para pasar un buen rato.

Spoiler:
Da la sensación de haber sido hinchada hasta concluir en un forzado y bastante infantil "happy end".

-Crítica Nº 7-

En la época que la ví, hace más de veinte años, seguía pareciéndome una película difícil. Y no me refiero a la interpretación de su mensaje histórico, bien claro y definido; sino difícil de ver, de soportar visualmente. Aún veinte años antes, en el momento de su realización, este tipo de obras se catalogaba como el típico producto destinado a las minoritarias salas de arte y ensayo o los primeros cineclubs.

"Los desesperados" encajaría como una muestra, "a la húngara", de típico "cine de autor" que postulaba, a finales de los años 50, un grupo de críticos cinematográficos franceses desde "Cahiers du Cinéma" de los que, es bien sabido, algunos pasaron a la dirección: Godard, Rohmer, Chabrol, Truffaut, Rivette... Por lo tanto y visto en este contexto, no se le puede negar al que nos ocupa un estilo muy personal y una voluntad renovadora en su lenguaje, dentro de la referida "Política de Autores"-ala Países del Este.
El sello inconfundible del cine de Jancsó son sus interminables planos secuencia, que pueden inducir a la alucinación, si entramos en su plástico juego, o al más intenso sopor, en la mayoría de los casos. Esta película -como ocurre en todas sus primeras realizaciones- participa de dicha estética y aún cuando su línea argumental tiene cierto interés, junto a la sobriedad en la exposición de los hechos, vemos pasar una y otra vez una especie de monótono velo en oscura armonía con unas imágenes que se repiten hasta la saciedad. Por si fuera poco, toda la recreada acción histórica transcurre en un único escenario, aislado del mundo y del menor atisbo de placer.

-Crítica Nº 6-

Pese a que su merecida fama no la cimentó filmando humor, el prestigioso Mulligan entrega con la presente lo que parece una comedia de encargo. Es uno de sus últimos títulos y en un momento en que los EE UU no ofrecían ni una buena muestra de dicho género cinematográfico. Lo cierto es que en aquella época ya proliferaban las comedietas estudiantiles de la peor especie.
Esta parte de un guión bastante descabellado -absurdo y con mensaje moral incluído- que me llevó a recordar los aires celestiales de "El cielo puede esperar". Aparte de algún que otro apreciable gag, su narración y simplista puesta en escena huelen a refrito, a algo visto una y mil veces. Es por esto que, a pesar de su esforzada factura, el interés decae enseguida. Su pequeño enredo apenas sorprende y pocas ganas quedan ya de asistir a su inverosímil e infantiloide desarrollo posterior. Plomiza.

-Crítica Nº 5-

Después de vista, no me explico la gran admiración de Quentin Tarantino por esta película. A no ser por un típico acribillamiento de callejón, es de reconocer, muy bien filmado. También debo confesar que el cine del realizador yanqui -excepción hecha de "Reservoir Dogs" (que tampoco es para tanto)- no me despierta grandes emociones.

Esta es la primera película más celebrada de Wong Kar-Wai aunque, después de haber rodado tres o cuatro con anterioridad, se le podía exigir bastante más, puesto que parece la primeriza obra de un meritorio a la realización con ganas de que se hable de él lo antes posible.

Ya resulta difícil superar la desquiciada cámara en mano de sus primeros diez minutos, para que, abruptamente, nos introduzca en dos historias de amor -a cual más absurda e increíble- hechas como a retales, sin el menor sentido del ritmo en general, ni de la transición entre ambas. Y esto último, pese a que las parejas parecen interpretadas por los mismos actores con diferente look -horripilante peluca incluída- lo que induce a acrecentar, la ya más que patente, confusión.

No pudiendo aguantar estilo tan cansino, a la hora de estar intentando templar los nervios con su visión doméstica (era un DVD), tuve que levantarme y dar una vuelta por la habitación. Y ésto, sólo por regalarme unos instantes de respiro, observando de reojo el enésimo vuelo de una maqueta de avión en manos de personajes que van y vienen (pero que no entretienen) y nunca parecen encontrarse...

Para mí, casi tan decepcionante como la muy aclamada, aunque más interesante y mejor acabada "In the Mood for Love" (del mismo niño prodigio) y, sobre todo, tan pretenciosa como tediosa en su muy particular forma de narrar.

-Crítica Nº 4-

Después de haber visto la primera y anterior película de Rosales "Las horas del día", sorprendente y muy bien realizada, tenía bastante curiosidad por ver algún día su siguiente y última película hasta la fecha, premios Goya aparte, también debido a su tan actual temática y alabado carácter innovador. Debo decir que, cuanto menos, me ha defraudado. Y no poco.

Para representar frescos cotidianos no es necesario caer en lo anodino con acentuaciones en lo muy improbable (spoiler) o en lo totalmente previsible (spoiler). En su categoría de cine español, también premiada con Goyas varios -incluído el de a la mejor película- y también concerniente a soledades varias, la predecesora "Solas", de Benito Zambrano, le da repasos por todos lados, empezando por el de la más directa humildad en su forma de exposición, ya desde su mismo título, que sitúa al espectador pero no hace alarde de categoría. También porque aquella planteaba una historia lineal, de personajes sencillos, pero con una tragedia creíble, urdida por un mejor guión -sin innecesarios circunloquios- en el que no sobraba ni un plano y finalmente, venía respaldada, sin querer desmerecer, por mejores actores que en la presente.

Los supuestamente originales encuadres con la pantalla dividida, por mucho abuso que se haga de ellos, ya formaban parte de la historia del cine casi desde sus inicios. Y respecto a los planos con dos personajes enfrentados (¡siempre en una mesa!) con su alternancia y subjetiva mirada a cámara simulando el lugar del interlocutor, ya estaban, que se me ocurra ahora, en "Buffalo 66", de Vincent Gallo. O sea, que menos alardes de pretenciosa innovación...

Por último, su casi inexistente progresión dramática hacen de "La soledad" una película lenta, de las que deseas ver finalizar, donde sobra el epílogo, y tiene un excesivo metraje para lo poco que muestra. Sin necesidad de rememorar a "El Séneca", en una tertulia de bar de pueblo puedes escuchar observaciones de la vida más agudas y menos aburridas de boca de cualquier grupo de anónimos tertulianos.
spoiler:
Atentado con bomba en autobús (por fortuna, nada del día a día). Muerte de la madre (tenía que llegar...)

-Crítica Nº 3-

Segunda y galardonada película de Cristian Mungiu, joven realizador del nuevo cine rumano. Aborda el tema del aborto clandestino en la figura de una joven estudiante que sólo encuentra apoyo en su compañera de habitación en la residencia estudiantil.

La acción transcurre en la Rumanía de 1987, bajo el dictatorial gobierno de Ceaucescu, y a lo largo de un día que, para el espectador se concentra y ajusta exactamente a la duración de la cinta. Ello debido a que la narración te obliga a implicarte en ella desde su mismo inicio, sin respiro alguno, hasta el final de la misma. Su tono es casi documental, de exquisita sobriedad pero plagado de agudas observaciones y detalles, sin concesiones ni grandilocuencias, en el que no sobra -ni falta- una sola frase... Todo ello hace de esta película, ya desde su mismo título, una brusca y desoladora cuenta atrás en lo que continúa siendo casi una encrucijada social, aún en los denominados países desarrollados.

La excelente interpretación de Anamaria Marinca y la muy eficaz y creíble del resto de actores, junto a una tan sombría como brillante fotografía, sin música (otro acierto), completan y redondean una película que hay que ver. Eso sí: nunca con ánimo de pasar el rato, sino con muchas ganas de ver buen cine, salga lo que salga.

-Crítica Nº 2-

Aspectos positivos: el título casi lo clavan. Si cambiamos "Tierras" por "Historia", quedaría perfecto, pese a omitirse la referencia literaria a su biografiado. La recreación ambiental, tan brillante como acostumbran las producciones inglesas. Buena interpretación, al fín y al cabo.

En lo negativo: amablemente tediosa; progresivamente aburrida. Acompañamiento musical solemne y cargante, de principio a fín, como envoltura. Alargada hasta lo insufrible con repentina enfermedad como impostura. Soterrada moralina. Dolor casi inconcebible, tan mal plasmado como increíble.

(Ripios deudores del último "british touch" del Sir)

-Crítica Nº 1-